1911 年 8 月 21 日，星期一，閉館日，收藏于法國羅浮宮的《蒙娜麗莎》被偷了，這次「走丟」開啟了《蒙娜麗莎》的「走紅之路」。

第二天下午，羅浮宮開放，法國畫家 Louis Béroud 在進行參觀的時候，發現少了一幅畫。一開始，工作人員以為畫只是被拿去樓上拍照了，因為沒人相信有人會偷一副在當時沒什麼名氣的畫。在再三核實之下，羅浮宮終於在 28 小時後確認：《蒙娜麗莎》被偷了。

蒙娜麗莎畫像被偷了。（圖/維基百科）

這下羅浮宮趕緊報警，到處發告示，羅浮宮因此關閉一周，甚至連法國邊界和火車線路都被迫關閉。由此，全巴黎、甚至全法國都知道羅浮宮有一幅畫被偷了，而由於各大報刊都是羅浮宮張貼的尋畫啟事，蒙娜麗莎的面孔也被人們所熟知，這無形中便為《蒙娜麗莎》打了一波免費廣告。

這波告示廣告還不夠，20 世紀初，全歐洲人民都在為偵探小說《福爾摩斯》著迷，在《蒙娜麗莎》上報紙後，大家都幻想自己是私家偵探，積極展開民間調查，這無疑是為《蒙娜麗莎》進行了一波二次宣傳。

不過，即便全歐洲人民都為《蒙娜麗莎》操碎了心，在丟失後的兩年半裡，巴黎員警依然無法查找出這位「走丟」少女的下落，後來直到小偷自己賣畫被舉報，《蒙娜麗莎》才被找回。

小偷 Vincenzo Peruggia 其實是制作畫框的工作人員，將《蒙娜麗莎》偷走後，他一直將畫藏在自己公寓的行李箱中，直到 1913 年 12 月，Peruggia 試圖將《蒙娜麗莎》賣給藝術品經銷商 Alfredo Geri 時被舉報，他才被抓獲。

蒙娜麗莎畫像的小偷Vincenzo Peruggia。（圖/維基百科）

關於偷畫的原因，也很有意思。這位「正義使者」表示，自己是為要送《蒙娜麗莎》回家才偷畫。但是實際上，儘管拿破崙確實從義大利掠奪了不少藝術品，但《蒙娜麗莎》這幅畫卻是達文西自己賣給法國國王法蘭斯瓦一世的，這幅畫本來就屬於法國。

走入時尚圈的《蒙娜麗莎》

被偷的一百年後，《蒙娜麗莎》早已成為家喻戶曉的名畫，成為神秘、欲望、美麗的代名詞，每年有超過 600萬 的觀眾特意來一睹其芳容，其中不乏有名流政客。包括 Bansky、Salvador Dalí 在內的許多藝術家，也在自己的作品中重塑這位元神秘的女子。

《蒙娜麗莎》的盛行，帶來了藝術和文化的碰撞，這一碰撞也不出所料地延伸到了時尚圈。

一方面，是品牌宣傳上對於《蒙娜麗莎》內在形象的借用。1987 年，在 Chanel 的一幅廣告中，身穿 Chanel 經典套裝的模特，一手隨意地拿著「蒙娜麗莎」，一手微微抬起高冷地叫著計程車，展現品牌的優雅和清冷；1999 年，義大利攝影師 Mario Sorrenti 為 Yves Saint Laurent 所拍攝的大片再現了文藝復興時期的名作，展露品牌形象的同時廣受好評，其中超模 Kate Moss 所扮演的便是蒙娜麗莎，優雅、迷人又神秘。

另一方面，則是設計上對於《蒙娜麗莎》外在形象的運用。從《老友記》中被 Phoebe 穿出彩的蒙娜麗莎裙、Lady Gaga 熱情展示給粉絲的蒙娜麗莎裙，到幫助 Kourtney Kardashian 在紐約時裝周上吸睛的蒙娜麗莎套裝，從 2017 年 Louis Vuitton 推出的大師系列中的蒙娜麗莎包包，到 2019 年 Dior 與藝術家 Raymond Pettibon 合作推出的蒙娜麗莎系列男裝，可以說，蒙娜麗莎的形象在時尚圈無處不在。

如果說對於《蒙娜麗莎》內在形象的借用，是基於對名畫背後所含精神的理解，那麼設計上對於其外在形象的運用，則複雜的多。許多設計因為直接挪用原畫、毫無設計感而被詬病，這不禁令人疑惑：時尚對藝術的挪用，有度嗎？界限在哪裡？

時尚化 or 商業化？

時尚與藝術的連接，最早可以追溯到 20 世紀 30 年代，一位頗具遠見的超現實主義女設計師是藝術品時尚化的鼻祖，她就是 Elsa Schiaparelli，被 Coco Chanel 當作半世宿敵的服裝藝術家。

「一個人做衣服再賣衣服，這是一件極其枯燥乏味的事情。與藝術家合作，則使人振奮，使人得以擺脫那種枯燥乏味。」

Schiaparelli 最著名的、影響最深的合作者，是超現實主義藝術家 Salvador Dalí。從抽屜裙、龍蝦裙，到眼淚連衣裙、骷髏連衣裙，再到鞋子帽，兩位藝術家互相成全、互為靈感，共同推進了藝術界和時尚界的發展。

藝術家達利（Salvador Dalí）（圖/維基百科）

當然，Dalí 並不是唯一與 Schiaparelli 展開合作的藝術家，畫家兼服裝設計師 Leonor Fini 為 Schiaparelli 的香水「Schocking」設計出了那著名的裸女香水瓶；Cecil Beaton、Horst P. Horst、Man Ray 等攝影師都曾為她的設計進行拍攝；Pablo Picasso 也曾根據她的設計來進行藝術創作。

對於 Schiaparelli 來說，合作是給與取的雙向過程，雙方創造力的互相激發，是合作的意義所在。這份合作的意義，一直在時尚圈內延續：Yves Saint Laurent 從抽象大師 Piet Mondrian 的方格中獲取靈感，與Andy Warhol互為創作靈感；Vivienne Westwood 將野獸派畫家 Matisse 的名作運用到自己的服裝上；Marc Jacobs 邀請插畫家 Julie Verhoeven 為 Louis Vuitton 設計手袋；Raf Simons 多次邀請比利時花藝藝術家 Mark Colle 為自己打造秀場；Kim Jones 與 Daniel Arsham 合作打造不一樣的 Dior……

藝術家安迪沃荷（Andy Warhol）（圖/維基百科）

如今，時尚與藝術的界限早已模糊，奢侈品牌紛紛投身藝術界，開設藝術基金會和創辦藝術展覽，並頻繁地與藝術家高調合作。對於時尚與藝術的連接，有人說是藝術的時尚化，為雙方都注入了新的血液；有人則說是藝術的商業化，雙方所追求的只是金錢和資本。

在談到時尚與藝術的關係時，浙江傳媒學院教授楊大偉指出，「時尚本身往往具備種種包容的可能：既可孕育誕生之契機，亦可成為釀出潰靡的溫床，……當代藝術應該時刻保持警惕，不能在商業的溫床上自我墮落。」

無論是奢侈品牌還是藝術家，在展開合作時都不應該忘記合作的初心是創造。良好的合作，是一種雙贏；但毫無創造力、只製造短時噱頭的合作，不但消費者不會買帳，還會讓雙方都落下「恰爛錢」的名聲，近年來飽受爭議的「高價印章藤原浩」和「無腦聯名村上隆」便是例子。

藝術與時尚的連接，有度嗎？答案是肯定的，這個度，就在於能否為消費者帶來有內涵、有創造的作品。如何在商業價值和藝術價值中找到平衡，是品牌方和藝術家們都應該思考的。

本文經授權轉載自微信公眾號FASHIONOMY時尚界。 （原標題：《蒙娜麗莎》的走丟與走紅）